At the movies – 27 (2010s)

Il n’y a aucune logique dans les films de cette période, vus entre juin et septembre 2022, à part quelques demandes liées à des médiagraphies au boulot, mais surtout beaucoup d’envies personnelles.

Les super effets spéciaux de Pompeii

Shut Up Sona, Deepti Gupta (Inde, 2019) – 4/5: un documentaire à propose de Sona Mohapatra, chanteuse indienne (de Bollywood) qui n’a pas sa langue dans sa poche. Accusée de blasphème par une confrérie soufie, elle part à l’attaque et défend le rôle des femmes dans une société extrêmement misogyne. Passionnant ! #52FilmsByWomen #documentary

Mustang, Deniz Gamze Ergüven (Turquie, 2015) – 5/5: au bord de la mer Noire, en Turquie, cinq sœurs adolescentes fêtent la fin de l’année scolaire en allant se baigner (toutes habillées) avec leurs amis. Une voisine les dénonce à leur grand-mère (leurs parents sont décédés) et leur oncle prend des mesures. La maison familiale devient leur prison, et après une fugue, les aînées sont mariées contre leur gré. La même voie est prévue pour les plus jeunes. Un très beau film qui dénonce les mariages arrangés mais surtout la violence du patriarcat, obligeant les jeunes filles à rester dans le rang et à devenir de bonnes épouses. Avec en plus, la superbe musique de Warren Ellis. J’ai adoré ! #52FilmsByWomen

The Legend of Tarzan, David Yates (2016) – 2/5: les pires éléments du film de 1933 ont été gommés ici (le racisme pur et dur, le massacre d’animaux) mais on est loin du chef-d’œuvre. Il reste toujours ce fait que ce sont les Blancs qui sauvent les Noirs, même si l’esclavage est dénoncé tout le long du film. A part ça, c’est toujours agréable de voir Alexander Skarsgard, mais savoir que ce film a complètement été tourné en studio nuit à l’ensemble (et ça se voit vraiment trop – finalement à ce niveau-là on est très proche de la version de 1933). Et le cri de Tarzan avec yodel est bien trop peu utilisé.

Midnight Special, Jeff Nichols (2016) – 2/5: un petit garçon aux pouvoirs spéciaux est enlevé par son père biologique. Il résidait dans une communauté religieuse extrémiste et était censé sauver le monde. Un agent de la NSA (Adam Driver) s’intéresse à l’affaire. Je n’ai jamais été prise par ce film que j’ai trouvé lent et sans rythme alors que l’histoire aurait pu être haletante, j’ai même accéléré un peu vers la fin. Mais j’ai aimé y voir Adam Driver et Kristen Dunst. #theAdamDriverFilmography

Pompeii, Paul W.S. Anderson (2014) – 1/5: quel mauvais film (à tel point que ce n’est même pas un plaisir coupable) ! un mélange de Gladiator et de romance, avec l’éruption du Vésuve en point de mire. Si la reconstitution de la cité romaine est sans doute plus ou moins fidèle (à part le phare), il n’en est pas le cas pour les costumes, les gens (il n’y avait pas de Noirs à Pompéi à l’époque) et l’éruption en tant que telle. Le réalisateur s’est inspiré d’éruptions des dix dernières années pour les effets spéciaux, niant la réalité historique, et rajoutant un… tsunami ! Avec Kiefer Sutherland en méchant, Kit Harrington en gentil, Adewale Akinnuoye-Agbaje en ami du gentil, Carrie-Anne Moss et Jared Harris en parents et Emily Browning en jeune fille en quête d’amour. A noter que les pages wikipedia en anglais et français sont très différentes, la première défendant le réalisme de l’éruption, la seconde pointant vers toutes les incongruités historiques (un baise-main dans l’Antiquité, un phare à Pompéi ?).

Punk the Capital: Building a Sound Movement, Paul Bishow & James June Schneider (2019) – 4/5: un documentaire musical qui remonte aux sources du punk rock et du hardcore à Washington DC, avec de nombreux documents d’archives qui montrent comment cette scène a émergé dans une ville où ce n’était clairement pas évident (la capitale est plutôt coincée dans son côté administratif et présidentiel). Intéressant (mais une fois de plus je me suis demandée où étaient les femmes ? même si certaines sont interviewées, cela reste un monde de mecs). Avec entre autres Bad Brains et Minor Threat. #documentary

Wet Season (Anthony Chen, Singapour, 2019) – 3/5: Ling, d’origine sino-malaise, enseigne le chinois dans une école secondaire de Singapour. Elle vit avec son mari, souvent absent et très distant, et son beau-père, aphasique, dont elle s’occupe avec beaucoup de soin. Cela fait huit ans qu’elle essaie désespérément de concevoir un enfant et elle s’injecte chaque jour des hormones en prévision d’une FIV. Elle se rapproche d’un de ses élèves, Wei Lun, à qui elle donne des cours de rattrapage. Lui aussi est un peu perdu, ses parents étant absents pendant une longue durée. Tout cela se passe alors que la mousson s’abat sur la ville, mais on ne voit pas grand-chose de celle-ci: tout est centré sur l’enfermement des personnages dans l’appartement, la classe, la voiture… et les couleurs sont très fades, très tristes. C’est un film aux ambiances particulières, très feutrées, crues parfois, et qui traite de sujets difficiles avec beaucoup de sensibilité. A noter: les durians que mangent Ling et Wei Lun à plusieurs reprises. #chinesecinema

At the movies – 18 (2010s)

The Witch, Robert Eggers

Merci pour vos réponses lors de mon sondage dans l’épisode précédent. Je garde donc le découpage par décennies.

Senses, Ryusuke Hamaguchi (Japon, 2015) – 3/5: j’ai longtemps hésité pour la note de ce film. Il dure plus de cinq heures et c’est bien trop long. En même temps, ça laisse le temps à Ryusuke Hamaguchi de faire un portrait très fin de quatre amies de la fin de la trentaine, vivant à Kobé. L’une d’entre elle veut divorcer de son mari et c’est compliqué; les autres se posent des questions quant à leurs relations amoureuses. Ce qui est long, ce sont certaines scènes de discussions qui ne sont quasi pas coupées et où la caméra ne bouge pas forcément beaucoup. Mais j’ai aimé la sensibilité et les émotions des femmes; c’est un portrait très réaliste (et on se rend compte que le Japon a encore du boulot au niveau du droit des femmes). Comme les autres films d’Hamaguchi, les couleurs sont désaturées et les paysages essentiellement urbains. #theRyusukeHamaguchiFilmography

The Witch, Robert Eggers (2015) – 4/5: j’ai beaucoup de mal à parler de ce film que j’ai pourtant beaucoup aimé, alors qu’a priori je n’apprécie pas trop les films d’horreur. Mais il y a bien plus que de l’horreur, ici, et il ne faut pas réduire le film à ça. C’est une histoire de sorcière (Anna Taylor-Joy) dans l’Amérique des années 1630, dans une famille encore plus puritaine que les puritains du village qu’ils quittent. Il y a cette force du patriarcat et ce désir profond de s’en libérer, sauf qu’à cette époque c’est impossible. La reconstitution historique est précise jusque dans les moindres détails (maison, vêtements…). Quant aux couleurs, elles sont fades et passées, représentant l’hiver où tout est en hibernation. Il y a juste une touche de rouge: le manteau d’une sorcière, le sang qui coule. Il faut que je voie les autres films de Robert Eggers, c’est clair (c’est fait depuis, il n’y en a que trois en tout – voir ci-dessous et ici pour The Northman) !

The Lighthouse, Robert Eggers (2019) – 3/5: me voilà de retour avec un autre film de Robert Eggers mais… je me suis profondément ennuyée. L’histoire est celle d’un huis-clos, de deux hommes (Willem Dafoe et Robert Pattinson) sur une île isolée devant s’occuper d’un phare, à la fin du 19e siècle, quelque part entre thriller et film psychologique, avec de nombreuses scènes de beuverie. Visuellement par contre, c’est superbe, avec un noir et blanc très contrasté et dans un format presque carré. J’ai souvent pensé à la lumière des films des années 1930. Il y a de nombreuses références phalliques (évidemment, avec un phare) et mythologiques (les sirènes, les dieux grecs).

Hungry Hearts, Saverio Costanzo (Italie, 2014) – 2/5: s’il n’y avait pas eu Adam Driver dans ce film, je ne l’aurais sans doute jamais regardé. Il commence comme une comédie romantique: Jude rencontre Mina alors qu’ils sont enfermés dans les toilettes d’un restaurant. Ils se marient et ont un enfant. Et c’est là que ça bascule: Mina, par souci de « pureté », ne nourrit pas assez le petit (qui n’a pas de nom) et Jude s’en rend compte. Il tente d’agir, mais ça devient du grand n’importe quoi mélodramatique. Je regarde souvent combien de temps il reste avant la fin, et quand j’ai vu qu’il n’y avait plus que 15 minutes alors qu’on était loin d’une conclusion intéressante, j’ai compris que ce serait expéditif (et particulièrement WTF). A noter: les belles images de New York et Coney Island, et Adam Driver évidemment. #theAdamDriverFilmography

While We’re Young, Noah Baumbach (2014) – 4/5: un couple newyorkais de la quarantaine rencontre un couple de la vingtaine et est séduit par leur fraîcheur. C’est la base de l’histoire mais c’est plus complexe que ça, et c’est aussi très drôle de voir comment on devient vite un « vieux con ». Avec Ben Stiller et Naomi Watts d’un côté et Adam Driver et Amanda Seyfried de l’autre. Je me rends compte que j’aime vraiment les films de Noah Baumbach (comme quoi c’est parfois intéressant de voir tous les films d’un acteur) et son analyse de la vie quotidienne d’une certaine catégorie d’habitants de New York (que je qualifierais d’intellos arty). #theAdamDriverFilmography

Downton Abbey, Michael Engler (2019) – 3/5: un plaisant retour à Downton Abbey (j’ai vu toute la série) mais une histoire quand même un peu très limitée: le roi et la reine viennent à Downton Abbey et toute l’organisation du château est chamboulée par ça. Heureusement, il y a quelques histoires secondaires. J’aime toujours autant les discussions entre Lady Violet et Lady Merton.

Star Wars: Episode VII – The Force Awakens, J.J. Abrams (2015) – 3/5: je n’ai jamais été une grande fan de films de science-fiction, et même Star Wars, j’ai mis très longtemps à les regarder (au point que je le considérais comme un trou dans ma culture). J’ai vu les six premiers film en une fois, il y a sans doute une quinzaine d’années, et là, je reprends le fil. Le prétexte est mince: c’était le film suivant dans la filmographie d’Adam Driver. Est-ce que je me suis un peu ennuyée ? oui. Mais est-ce que j’ai regardé jusqu’au bout en me rappelant le premier film ? oui. A part ça, je n’ai pas vraiment plus à dire. #theAdamDriverFilmography

At the movies – 11 (2010s)

Asako I & II

Frances Ha, Noah Baumbach (2012) – 3/5: déjà vu l’année passée mais je n’avais aucun souvenir du rôle d’Adam Driver – et en effet, il est assez effacé. Pour le reste, je garde le même avis: pas mal mais assez bavard quand même, et peut-être que je suis déjà trop âgée pour m’identifier au personnage principal. Le noir et blanc est beau, et fonctionne très bien dans ce film, et Greta Gerwig est fascinante en jeune femme à la recherche d’elle-même et qui tente de percer dans le milieu de la danse à New York. Par contre, les scènes à Paris rassemblent pas mal de clichés: en quelques minutes on voit l’Arc de Triomphe et la Tour Eiffel (mais on a vu pire, c’est clair). #theAdamDriverFilmography

My Prince Edward, Norris Wong (Hong Kong, 2019) – 4/5: Fong est en couple avec Edward depuis huit ans et ils vivent ensemble dans le quartier de Prince Edward, dans un appartement situé au-dessus de la galerie marchande de Golden Plaza dans laquelle ils travaillent tous les deux, dans le business du mariage. Edward fait sa demande de mariage, mais Fong a des soucis: dix ans auparavant, elle a épousé un Chinois du continent pour de l’argent et le divorce n’a jamais été prononcé, comme promis. Elle tente alors de régler ce problème, en revoyant le Chinois en question, et commence également à se poser de nombreuses questions à propos d’Edward, qui est quand même bien envahissant avec ses messages continuels, et dont la mère prend toutes les décisions. Norris Wong est une jeune réalisatrice de Hong Kong et propose ici un premier film très réussi parlant de divers problèmes contemporains: le poids des traditions et de la famille, l’immigration des continentaux, les hommes qui ne prennent aucune responsabilité, la libération de la femme des carcans imposés par la société… Un critique (désolée, j’ai oublié lequel) faisait une comparaison avec Frances Ha – c’est aller un peu loin mais il y a en effet cette similitude dans le fait qu’une jeune femme cherche sa voie dans une grande ville. C’est moins pétillant mais en échange, on a les néons de Hong Kong (ce qui fonctionne toujours avec moi !). (J’allais donc faire de courtes critiques…. mais en même temps, ce film est peu connu en Europe et il fallait bien expliquer un peu le contexte). #HongKongFilms #52FilmsByWomen

Lincoln, Steven Spielberg (2012) – 3/5: fresque historique se concentrant sur quelques mois de la vie du président Lincoln, ceux qui précèdent et suivent le vote du 13e amendement interdisant l’esclavage. C’est beau, c’est précis, c’est stylé mais quand on n’est pas Américain et qu’on ne s’intéresse pas à certains détails de l’histoire, c’est long et un peu ennuyeux. Le jeu a été de reconnaître les différents acteurs avec leurs moumoutes ou coiffures d’époque et avec leurs (horribles) barbes. La mode masculine et le style de 1865 ne sont vraiment pas ma tasse de thé. #theAdamDriverFilmography

Beginners, Mike Mills (2010) – 4/5: le deuxième film de Mike Mills, en partie autobiographique. Oliver fait le deuil de son père et revit le passé, notamment le fait qu’après le décès de son épouse, son père a déclaré qu’il était homosexuel. Il rencontre un homme plus jeune et commence à défendre la cause LGBTQ+ avec des amis. Oliver quant à lui, rencontre une jeune fille et commence une relation avec elle, mais rien n’est facile. Un très beau film de Mike Mills, empreint de douceur et de mélancolie, un peu lent mais on s’en fout. Avec Ewan MacGregor, Mélanie Laurent, Christopher Plummer et le chien Cosmo (aka Arthur). #theMikeMillsFilmography

20th Century Women, Mike Mills (2016) – 5/5: c’est le dernier des films de Mike Mills que je n’avais pas vu et c’est aussi le meilleur à mon avis. Il forme un diptyque avec Beginners – cette fois-ci Mills s’inspire de la vie de sa mère à la fin des années 1970 à Santa Barbara. Annette Bening est superbe dans son rôle de mère, ne sachant pas trop comment s’occuper de son fils adolescent et tenant de déléguer des choses à deux jeunes filles, l’une qui est colocataire dans la maison, l’autre qui y passe de nombreuses nuits pour fuir sa mère thérapeute (jouées par Greta Gerwig et Elle Fanning). J’ai beaucoup aimé les passages où le jeune Jamie découvre le punk rock qui éclot à l’époque, et au niveau musical, la bande-son est superbe, oscillant entre Black Flag et les Raincoats et du blues des années 1920. Comme dans le film précédent, Mills insère des images historiques et cite les livres dont sont lus des extraits, et il fait oralement toute la biographie des personnages, donnant une idée de début et de fin. Et il y a toujours cette douceur et cette mélancolie. Avec un beau chat noir et blanc qui s’est apparemment incrusté pendant le tournage, et une cage avec non pas des canaris mais un couple de (j’ai dû chercher) diamants mandarins (je crois). (Je recense donc les animaux dans le films, ainsi que d’autres choses, comme les cocktails par exemple – peut-être que d’autres choses vont se rajouter au fil du temps). #theMikeMillsFilmography

Tracks, John Curran (Australie, 2013) – 3/5: un biopic avec Mia Wasikowska et Adam Driver (la raison pour laquelle j’ai repéré ce film) qui raconte la traversée du désert australien, avec des dromadaires et un chien, de Robyn Davidson en 1977. Driver joue le rôle du journaliste du National Geographic qui a plusieurs fois croisé la route de l’aventurière. Le film a un rythme assez lent, un peu comme le rythme des dromadaires, mais est pas mal. #theAdamDriverFilmography

Asako I & II, Ryusuke Hamaguchi (Japon, 2018) – 5/5: ce film est superbe, plus encore que Drive my Car. Asako est une jeune fille d’Osaka qui tombe amoureuse de Baku, mais celui-ci disparaît régulièrement. Deux plus tard, elle est à Tokyo, n’ayant plus de nouvelles de lui. C’est un choc quand elle rencontre Ryohei qui est le sosie de son ancien amoureux (les deux hommes sont joués par le même acteur, Masahiro Higashide). Ce film a des éléments en commun avec Drive my Car: les images aux couleurs très neutres, les autoroutes vues d’en haut avec la caméra qui suit la voiture des personnages, la route vers le nord (pas jusqu’à Hokkaido même si on en parle), la pièce de Tchékhov qui est citée, le temps étiré (ça se passe sur sept ans environ), et puis surtout cette analyse très sensible des sentiments humains et de leur côté très contradictoire, de l’impulsivité aussi. Le film prend son temps se dérouler mais il n’y a aucun moment creux. Une magnifique histoire d’amour dans un Japon où la météo est plutôt à la pluie, en plein été (ou plutôt plusieurs étés), avec le bruit des grillons en arrière plan. (oh, et à noter: Ryohei conduit la même voiture que moi, une Honda Fit – Jazz en Europe – et de la même couleur). Nouveau # donc, même si tous ses films ne sont pas disponibles en Europe: #theRyusukeHamaguchiFilmography

At the movies – V (2010s)

John Wick: Chapter 3 – Parabellum (Niko Tevernise – © Lionsgate)

Des films des années 2010, de tous styles, beaucoup d’américains et un de Hong Kong, beaucoup de Keanu Reeves et d’Adam Driver:

Beyond the dream, Kiwi Chow (Hong Kong, 2019) – 3/5: un mélodrame qui raconte une histoire d’amour mais surtout des problèmes de santé mentale. Très géométrique à cause des immeubles de Hong Kong, beaucoup de scènes de nuit, avec un tram, et une prédominance de turquoises et oranges. Trop de musique romantique au piano.

Boy erased, Joel Edgerton (2018) – 2/5: le biopic classique regardé quand je me suis rendue compte que je ne voulais pas lire le livre de Garrard Conley du même nom. Un sujet grave: la reconversion d’homosexuels en personnes hétérosexuelles, dans un milieu ultra-religieux (baptiste ici). Avec Russell Crowe qui a pris 50 kilos et Nicole Kidman qu’on a tenté de rendre provinciale et moche (les vêtements surtout, parce que la coiffure passe encore). Une note en dessous de la moyenne parce que le film n’a rien de spécial, c’est un biopic qui est intéressant pour le sujet mais pas dans sa forme.

John Wick: Chapter 2, Chad Stahelski (2017) – 4/5: après avoir vu le premier épisode, j’étais assez impatiente de voir le second mais j’ai mis finalement un certain temps. J’ai retrouvé avec plaisir les acteurs, Keanu Reeves en premier, évidemment, et le style néo-noir, avec ce côté un peu mystérieux. Un film bien rythmé avec de belles scènes d’actions. La fin me pousse à regarder très vite l’épisode 3.

John Wick: Chapter 3 – Parabellum, Chad Stahelski (2019) – 3/5: ça s’essouffle un peu (une redite avec la scène dans un genre de palais des illusions, scène qui est d’ailleurs un peu trop longue) mais j’ai quand même beaucoup aimé ! Vivement l’épisode 4 !

Jackie, Pablo Larraín (2016) – 3/5: après avoir vu Spencer, j’étais curieuse de voir cet autre film de Pablo Larraín et il y a pas mal de similarités dans ce portrait d’une femme en plein crise (Jackie Kennedy au lendemain de l’assassinat de son mari). La musique de Mica Levi est superbe (je la connaissais bien avoir de voir le film). Pas mal mais sans plus, je trouve, et sans pouvoir pointer du doigt ce qui m’a déplu.

J. Edgar, Clint Eastwood (2011) – 3/5: je n’aurais pas aimé rencontrer J. Edgar Hoover qui avait l’air d’être un personnage bien frustré et radical. Le film est centré sur la création du FBI mais aussi sur la relation (homosexuelle) de Hoover avec son adjoint Tolson. Le maquillage censés vieillir les acteurs ne fonctionne pas vraiment à mon avis, à part peut-être chez Naomi Watts (que je n’avais pas reconnue). Je ne suis pas la seule de cet avis: Rotten Tomatoes parle de « cheesy makeup ». A noter: un étalonnage aux couleurs un peu passées et assez sombre. Avec un extrait de The Public Enemy (la scène du pamplemousse, évidemment). Ce n’est pas un mauvais film mais il n’est jamais très passionnant non plus.

Silence, Martin Scorcese (2016) – 3/5: 2h40 pour ce film, c’est bien trop long ! A part ça, on sent le talent de Martin Scorcese. Les images sont superbes et la reconstitution du Japon féodal très réussie. J’ai été dans la région de Nagasaki et les paysages ne correspondent pas tout à fait: le film a été tourné à Taïwan et du coup, il y a un petit côté tropical, mais ce n’est pas dérangeant. Le sound design est également superbe et la musique très discrète, ce qui rend le film très organique. Le choix de l’acteur principal, Andrew Garfield, m’a dérangée: il ressemble un peu trop aux représentations de Jésus et sa voix douce m’a parfois énervée. Adam Driver correspond plus à cette image des missionnaires portugais de l’époque. Le film est très fidèle au livre, rajoutant juste quelques passages plus dramatiques et modifiant légèrement la fin.